Di questo vogliamo parlare oggi: di fantasia… ma anche di tanta tanta pazienza.

Una delle esperienze che ricordiamo con più affetto e forse una di quelle in cui ci siamo divertiti di più negli ultimi anni, nacque da un brief molto preciso proveniente dagli amici del CONIP (COnsorzio Nazionale Imballaggi Plastica).
Era il 2019 e ci trovavamo nel pieno del periodo in cui non si faceva altro che parlare di plastica come qualcosa di negativo e inquinante.

Sappiamo bene che la plastica non inquina di per sé… siamo noi che ne facciamo un utilizzo sconsiderato.

Il Consorzio è molto noto per le cassette (generalmente) “nere” in plastica utilizzate per lo più per i prodotti ortofrutticoli, con cui ognuno di noi si è trovato certamente in contatto almeno una volta nella vita.
Quello che molti non sanno è che queste cassette appartengono a un circuito virtuoso che le crea, le distribuisce, le raccoglie e le ricicla all’infinito, generando un risparmio energetico misurabile che riduce l’impatto ambientale della plastica impiegata per produrle.

Nello specifico il consorzio ci chiese di realizzare un video da divulgare negli appuntamenti fieristici, molto presenti nella loro timeline comunicativa annuale, e anche sulle piattaforme social per raccontare proprio il funzionamento del sistema CONIP mettendo in evidenza le misure del risparmio in modo che fosse facilmente comprensibile per tutti.

Sembra facile, no?

Ci siamo rimboccati le mani, abbiamo analizzato a fondo il sistema CONIP, abbiamo realizzato una sorta di “timone” dei concetti da divulgare e abbiamo messo su carta una bozza di storytelling.

Ma come rendere davvero unico un video senza cadere nella graficizzazione selvaggia della numerica?

Abbiamo pensato a varie ipotesi finchè, mentre stavamo realizzando uno shooting fotografico delle cassette, ci siamo trovati a “giocherellare” con l’elemento che è alla base di tutto il processo: il “macinato”.

Di cosa si tratta?

Quando le cassette vengono recuperate per facilitare la fusione e l’iniezione negli stampi per creare delle nuove cassette, queste vengono prima ridotte ai minimi termini attraverso il processo di triturazione, la cui risultante è proprio il “macinato”.

Manipolandolo, ci siamo accorti che era possibile disporlo in modo tale da disegnare forme semplici ma significative.

La scintilla accende il lampo di genio: perché non produrre il video, sulla base dello storytelling già ideato, con la tecnica dello Stop-Motion?

Per chi non sapesse di cosa si tratta, è la tecnica che permette di animare praticamente ogni cosa producendo micromovimenti di oggetti inanimati che, fotografati e montati in successione in una sequenza video, forniscono l’impressione del movimento.

Volevamo animare disegni creati con il particolato…

Difficile? ma non impossibile!

Tra l’idea e l’inizio del meeting creativo saranno passati una manciata di secondi… ed eccoci tutti insieme in sala riunioni a definire eventuali paletti creativi, soluzioni pratiche per realizzare set e immagini grafiche di riferimento per creare le figure di base da animare.

Abbiamo contattato immediatamente il CONIP per chiedere il macinato necessario (senza dare troppe spiegazioni), che si è prodigato per farlo arrivare con un corriere espresso in un paio di giorni.

Aspettando il macinato abbiamo realizzato il set.

Alla base era montata una lavagna luminosa, sopra una serie di fogli di plexiglass trasparenti su cui produrre i singoli frame, tutti disegnati modellando il macinato con delle pinzette dal becco curvo (ci fanno ancora male le mani a pensarci) infine, in alto, una fotocamera sospesa in posizione zenitale per immortalare le singole scene.

Il funzionamento era abbastanza semplice: era sufficiente inserire l’immagine di riferimento stampata in grande nell’intercapedine tra lavagna luminosa e plexiglass.

La luce della lavagna avrebbe proiettato il disegno di riferimento sul plexiglass superiore permettendoci di disegnarvi sopra con il particolato…
il tutto è stato fatto con una pinzetta col becco curvo (ci fanno ancora male le mani a pensarci) e tanta tanta pazienza.

Primo disegno, secondo disegno… e così via per tutte le 4000 immagini (e relative foto) realizzate.

Una volta terminata la parte di produzione delle immagini e delle foto, siamo passati alla color correction, al montaggio e all’inserimento della musica…

Quando lo abbiamo terminato e proiettato in sala riunione, il risultato ci ha emozionato.

Le reazioni del pubblico?

Non solo gli amici del Consorzio si sono entusiasmati (all’inizio sono rimasti letteralmente a bocca aperta) ma è stato anche un vero e proprio successo in fiera.
Il video proiettato su un enorme ledwall largo 5 metri ha attirato tantissimi curiosi, che hanno voluto dettagli, si sono informati e di conseguenza hanno fatto registrare al CONIP tantissime presenze presso lo stand e hanno fatto raccogliere loro tantissimi contatti.

A onor del vero mentre scriviamo questo articolo, nel riguardarlo ci emozioniamo ancora un po’: facciamo davvero il lavoro più bello del mondo.

Buona visione

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Attenzione, non sono così presuntuoso, non parlo del talento di chi fotografa, ma della possibilità unica di mettersi dietro un obiettivo.

Intendo dire che siamo dei privilegiati.

Quando guardiamo nell’obiettivo forniamo un nostra personale versione della realtà.

Spero che non me ne vogliate, ma nella fotografia, come nel videomaking, l’oggettività è tanto impraticabile quanto probabilmente inutile.
Se ne parla da sempre, nei più disparati ambiti, ma è inutile negarlo, la fotografia è emozione, quindi soggettiva per sua intrinseca natura.

Per quanto parlare di oggettività risulti quindi necessariamente sterile, in un mondo in cui la fotografia digitale è alla portata di tutti, potremmo trovarci a parlare forse di fotografia “piatta”.
Cellulari e smartphone sono nelle tasche di chiunque e la fotografia, nella sua accezione di strumento per catturare un momento, è diventato irrinunciabile.

Ma il cellulare corregge, sceglie e decide; non sempre per il meglio, ma sempre al tuo posto…
E prima che tu te ne renda conto, ti soffia quel privilegio, quel dono che è il tuo posto dietro l’obiettivo.

Certo, anche per noi di Idee di Marca c’è stata la rivoluzione digitale.
Ma questo non ci ha appiattito, al contrario ci ha dato la possibilità di sfogare e sperimentare senza la paura di sprecare un rullino proponendoci un confronto con la cruda realtà di un risultato praticamente in tempo reale.
D’altronde sapere di poter sbagliare senza rischi spinge a tentare e tentare, ancora e ancora.

Il Food Photography è poi una questione a sé stante.
In questo campo così affascinante e allo stesso tempo complesso le due variabili di luce ed ombra possono essere rilette come “tempo e spazio”.

Il tempo è da sempre parte della fotografia, nella sua accezione di “esposizione”, ma nel Food Photography si ha anche a che fare con materia che cambia rapidamente: colore e materia assorbono luci e creano ombre in modo diverso con il passare dei minuti.
Si deve sapere con cosa si avrà a che fare ancora prima di realizzare la dress del piatto, consci del fatto che ogni soggetto non è mai uguale a se stesso (provate a mettere due uova nello stesso piatto e vedrete che non reagiscono alla luce allo stesso modo).

Quindi luce ed ombra possono essere tempo… ma lo spazio?
Sembra strano parlare di spazio in una foto che è per sua natura bidimensionale.

Non lo è…
Credo che parte del privilegio di cui siamo investiti noi fotografi sia quello di riuscire a catturare “lo spazio tra le cose”.

Per questo le ombre possono essere rilette come segno che la luce lascia nello spazio
La profondità di un immagine è il veicolo più potente dell’emozione che porta con sé.
Se ben fatta, la foto bonariamente ti inganna inducendoti ad allungare la mano… per cercare una terza dimensione che non c’è.

Ecco gli ingredienti che manipoliamo noi privilegiati:
tempo e spazio, che sono luce ed ombra.

D’altronde la luce e l’ombra sono parte della natura umana…
solo che noi fotografi di questa dualità
abbiamo fatto una passione… e poi un mestiere.

Umberto Capriotti

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Basta lasciare scorrere il dito sui social media per rendersi conto di come ormai chiunque sia in grado di fotografare il cibo,

ma il Food Photography professionale… non è la stessa cosa.

La differenza non è banalmente legata all’utilizzo di apparecchiature professionali (da non escludere in ogni caso) è più una questione di spazio creativo che può e deve estendersi ben oltre il piatto.

In particolare quando riguarda la produzione di uno chef di cui si deve condividere l’arte, l’ingegno e la creatività attraverso un singolo scatto, questo diventa un vero e proprio progetto.

È noto come il concetto stesso di progetto sia figlio dell’esperienza e del metodo, così come il Food Photography è sempre inequivocabilmente una questione di consapevolezza del prima del durante e del dopo.
In altri termini è fondamentale avere già in testa un’idea del risultato finale, lasciando però alla luce la possibilità di guidare lo scatto verso un momento perfetto: una goccia, del vapore, un guizzo di luce…

D’altronde il Food Photography è, forse in gran parte, conoscenza proprio della luce e di come essa accarezza le diverse consistenze della “materia viva” e le mette in risalto.
Ma anche in questo caso non possiamo limitarci a quello che c’è nel piatto.

Proprio nell’ottica di progetto l’ambientazione deve essere una cornice coerente, ha perciò spesso un peso fondamentale nella risultante delle forze attive sullo scatto.
Il fotografo professionista deve essere in grado di rapportarsi con lo chef e intervenire ad un livello tanto profondo da osare sulla “mise en place” se necessario.
È per questo che chi ha la macchina fotografica in mano deve conoscere l’arte della cucina ed avere una profonda comprensione del piatto che ha di fronte.

È in questo racconto di quel momento perfetto (ma anche della storia che c’è dietro alla creazione) che avviene la massima espressione di collaborazione tra chi ha creato il piatto e chi scatta…
In questo gioco di equilibrio, il fotografo deve essere in grado di consigliare lo chef su come produrre il risultato desiderato: come trasformare l’astratto in concreto, come passare dal concetto ad un’immagine statica.

Ciò può avvenire in svariati modi che a volte si traducono in sistemi semplici, come suggerire un piatto rotondo invece di un piatto quadrato, una posata rispetto ad un altra, scegliere la grana del tovagliolo e così via. Altre volte si entra più nel merito e nella complessità del soggetto.

Il Food Photography è in definitiva l’arte che nasce dalla capacità di vedere oltre il piatto per poter inquadrare attimi di gusto che diventano infiniti, trasmettono emozioni di piacere, stuzzicano l’appetito e si raccontano… attraverso gli occhi di chi guarda.

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Il Consorzio esercita nel mondo dell’ortofrutta e grazie all’economia circolare, produce, raccoglie, macina, e ricicla casse in plastica.

A volte è strano come venga un’idea.

Stavamo “giocando” con dei pezzi di cassa macinata (elemento minimo di cui si serve il Consorzio per la fusione e creazione di nuove casse) ed abbiamo provato a disporli per disegnare qualcosa come si fa con la sabbia in spiaggia.

Allora… perché non creare una video animato in stopmotion?

Non stavamo nella pelle.

Abbiamo immediatamente messo su un set per creare un demo in stop motion.
La tecnica consiste nella realizzazione di una serie di scatti fotografici di qualcosa che viene mosso manualmente.
Questi scatti vengono poi montati in successione creando l’effetto di una sequenza fluida.

Con pochi (ma sudati) fotogrammi abbiamo montato un mini video da mostrare al Consorzio… che è rimasto entusiasta dell’idea.

Ci siamo messi all’opera.

• Abbiamo creato uno storyboard in cui è stato individuato il racconto dei 2 minuti e mezzo circa di video previsti.
• Abbiamo realizzato l’ambiente in cui avremmo dovuto creare i fotogrammi.
  Questo ha consistito nella scelta dei pezzi di macinato più adatti e nell’allestimento del set per la realizzazione degli scatti.
• Abbiamo realizzato gli scatti. Oltre 5000 scatti che abbiamo utilizzato per narrare la storia che sono diventati oltre 700 soggetti unici, realizzati a mano, da utilizzare in sequenza.
• Abbiamo creato il montaggio.
  Riprendendo lo storyboard in modo da ottimizzare il lavoro.
• Abbiamo realizzato l’editing.
  Inserendo la grafica e tutta la parte digitale

È stato un processo complesso e molto lungo ma una sfida continua, scatto dopo scatto (visto che non si poteva tornare indietro), e allo stesso tempo davvero entusiasmante.

Il risultato finale si è rivelato un successo, anche dal punto di vista di gioco di squadra.
Lo sviluppo creativo è stato perlopiù immediato, la realizzazione invece si è protratta per oltre una settimana ed ha coinvolto tutti.

Come i tanti pezzi di un puzzle, ognuno si è dedicato ad una parte, ognuno ha realizzato qualcosa di unico, ma tutti abbiamo collaborato ad un solo progetto condividendo la gioia della realizzazione con tutto lo studio.

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